Tebineri

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松林図屏風は、今回あれだけの数つどった等伯作品たちを見た中で言うと、最も「美人」だった。見れば見るほど引き込まれ、別れようとすればするほど離れがたくなる。何もないようにすら見えるのに、その全てがほとんど奇跡でしかあり得ない配合をされている。抜けるような白い画肌。尖り強く激しくさえある細部と滑らかで溶け込んでかすみとなる細部。空間に自由に浮かんで泳いでいるようでいて、遠近が科学的に立証されてるようにも見え、しかしそれ故に、更に非現実性の宇宙の中へ見る者を飛び込ませてしまう。
たとえば、雪女とか、雪の女王とか、ああいうものすごい美しいこの世ならぬものに、見入られて取り込まれて、あぁこのまま行けば死ぬんだろうなと思うんだけど、こんだけ美しかったら死んでも別にいいや、というような、とにかくぼぉっと溶けて気持ちよく消えてなくなってしまいそうな、永遠の幽玄の中へ、人間という人間全ての魂をとけ込ませて、あの巨大な一元性のもとへ、私たちを今すぐに還してしまう、そういう絵。

長谷川等伯。私にとって、ただ一人の、世界一の日本画家。後にも先にも、この人一人。後は私には有象無象の者にすぎない。

楓の樹や松の、金箔の花鳥図も、自然がどれだけの力を持って永遠へと引きずり込めるかを、人間や仏も散々描いてきたからこそ見えている、描ける、そういう感じがすごくした。

そして、北陸の魂は見る人の口を黙らせる。
あることないことペラペラ喋ってた人の口を黙らせ、目から幽玄を食い込ませて、やがて連れ去ってしまう。そういう力がある。

没後四百周年企画展示。今まで行った等伯展で一度しか見てない懐かしい絵もたくさんあり、京都で巡った等伯作品の数々とも再会することができ、なんだかなつかしく、また一堂に会すとこんな風に見えるのか、こんな風に響きあうのかと少し不思議だった。彼の作品は一貫して質実剛健ではあるものの、常に空間の魔術師でいたわけではなく、その点だけで言えばおそらく後世の横山大観等の方が長けていたに違いないのだ。しかし、技術や遠近法がどれだけ発達しようとも、等伯のまねごとにすら及ばないただ一つの点がある。
彼の鉄の実直さだ。
柔らかくも、硬くもない。鋭くも、鈍くもない。妥協もしないが、折れなくもない。人生でいろんな時があっただろうが、彼は絵を、自分と全く対等な存在として、例えば…武士にとっての信頼できる刀のような…そんな存在として認めてきたのではないか、と思う。絵を操ったりコントロールしてやろう、という、おじょうずな絵描きによく見られる傲慢さが彼の絵には感じられない。絵のマジックこそが最強だ、という居丈高な驕りが存在しない。何故なら、絵は彼より上でも下でもなかったのだ。過去現在未来存在する全てのエネルギー体が至極当然であるように、絵も至極当然であって、何かの道具たる存在などではなかったのだ。全く自分自身とフラットに対等に、絵を扱ってきたというのは、意外と、珍しいことなのではないか。(そうであってほしいと思ったことは、私は今まで生きて来て一度もないが。)
今までいろんな画家の展示を見たし、すごいと言われる人はいくらでもいるわけだけど、正直、誰も気に入らなかった。すごいと思った日本の絵描きはただ一人、長谷川等伯だけなのだ。私には。そしてその最大の理由は、彼の絵に対するその態度だったと、今回改めて強く感じた。意識と感情とこれらの絵の、不思議で全く対等な距離感は…一体何であろう？
そうでなければ、あの絵たちの前に、人々が口を閉じてじっくりと画面の内部を見つめるような、あんな光景は存在し得るはずがないのだから、それも至極当然のことなのだろう。

この態度はゴッホやルドンと同じである、と松林図屏風を見た数年後に彼らの作品群を見た時、私は分かった。こういう態度で制作を続ける人は、実はあんまりいないのだ。私の今までの経験で、言うと。絵師はたやすく傲慢に絵を扱う。私はそれを、美しくなく、妥当でないと感じる。

長谷川等伯。
私がこの世で、永遠の師と仰ぐ人がいるとすれば、ただこの一人、
400年前に亡くなられた、長谷川等伯ただ一人。

行きました。

私はこの人の絵に対して言葉で感想を書こうという気になることは全くもってあり得ない。
だって絵の前で何をしてるかというと、とにかくずーっと、ずーっと見てる。
何かを考えたりもするけど、基本的にとにかくずーっと、ずーーーーーーーっと、見てるだけ。
そういう絵だから、というのもあるし、単純にとにかく好きだから、というのもあるし。
あーー……………ってずっと見てる。だけ。絵の前で、それ以外のことって、果たして必要なんだろうかといつもおもう。でもルドンは特別そうみたいで、いつもはパンピーがどうでもいいことをベラベラ喋ってるのが美術館の常なのに、今回のは喋ってる人が殆どいなくて、みんな黙々と見ていた。そうだろ。そりゃ、そうだろ。普通そうだよ。うん。
今、自分が黒を再開したところなので、このタイミングで岐阜県立のコレクションが一気に見れるというのも凄い話だなぁと思いまして、なんか凄いタイミングで見る機会が与えられたことに感謝しつつ。原画や当時の刷りをこれだけいちどきに見れるっていうのは私がこの先生きててどれだけあるだろうかと。あ、やっぱりもう一回行こう。
それはともかく。
自分は残念ながら版画をやっていないので、もし版画をやってたらもっとこのプリントを見て分る技術的な事項がたっくさんあるんだろうにと思うとものすごい歯痒さもあるのですが、やってないので仕方がないけど。
版画は実際昔から気になっているものの、版に描くのも大変だし、あまつさえそれが最終的に左右反転になると考えるとうおーっとなってしまうので、まぁせいぜい木炭で描いたのを出来るだけ正確に複写して版を作ってシルクとかかなぁと。今はジークレーとかもあるんでまぁ、出来なくもない時代になったというのは凄いことだなぁと思う。

なんか一番おもったのは、黒で画面を作ることに対して、色には一歩も引けを取らないという矜持が見れたこと。黒にとても誇りを持っていて、本当に黒の力を見せつけてくれるとおもった。
自分は最近弱腰スタートだったから、ルドンのを見てまた目が覚めた。何に遠慮してたんだろ？とか思う。なんとも言えない。目を閉じて。目を開けてるけど、目で見てない。額の奥の、もう一つの目で見てる。多分、みんな。目が、二つの眼球だけじゃないことを、多分知る。
これを見てると、誇りを感じる。自分にしかなれない自分の誇り。悲しくても、みじめでも、そんなのは「自分」には結局のところ、関係ない。
徹底した技。徹底した沈黙。自分の中の深海。さざめく黒。刺さる黒。柔らかな光。針のように全てを透す白。
最後のだけ技法的にどうしたらいいのか知らないけど足りないのがこれだって改めて現物見て気付いたので、これを足さなきゃなぁ。どうしても。どうしよう。どうやってやったんだろね。よく解んないけど。ニードルみたいな。紙に黒では実現しない、何だろう。やるけど。どうにか。うーん…。どうにか。
まぁそれこそジークレーを覚悟しても悪くない。木炭で描いたのをデータ化して、光だけPC上で描いてもいい。全然、別にいい。最終的に完全なる二階調の白と黒だけになればいいから。
ちょっと考える。ほんとに


ほんとに黒、いい。
今見れて良かった。
あー又行くけど。

古代と近代、彫刻と絵画。相当数のコレクションがあって、歩くだけでも疲れるので相当広いはず。気合いで回って二時間半。
18〜19世紀のフランス彫刻が山ほどあって、ロダンルームまであって、それだけでもテンション上がるのに、印象派〜後期印象派もある。なんか普通の名画というより、ちょっとざくっと描いたようなやつが多くて、逆に勉強にもなるし魅力も強く感じる。
特にテオドル・ルソー。後期印象派頃のアンリルソーじゃなくて、風景画家だった人のほう。けっこうガッチガチの風景画家なんだけど、ここにあるのは何故か雲だけ塗ってないとか、そういう未完成の大作。雲だけ木炭や薄墨で詳細に陰影を描き込んであって、あとは絵具で塗るだけなのに、何故か未完成。それがこの美術館にだけこうも何枚もあると、なんか不思議な気分になってくる。でも筆触で凄い勢いで描かれたかなりの大画面を見ていると、色の深みや白の効かせ方が物凄いドラマティックで、なんか要するに、うっとりします。帰りたくなかった。ものすごいよかった。
あとあっちの人たちの空の色の表し方がなんとも言えず儚いのですてきだと思う。なんか違う。うちらと違う。
コローやクールベが描いた小さい肖像画とかもあって、それもわりとざくざくっと描いたやつで、魅力的だった。コローとクールベにはけっこうヤられてしまうんですが(どっちかっつうとクールベか)、コローのやつが特に。描きかけっていいよな。という価値観が私の中に根強すぎるのかどうか知らないが。10年前から、完成した浮世絵より下絵を見てテンションがクライマックスになる人間だったので、その血は直らないと思う。

建物はデカくて立派で、真ん中に熱帯植物の庭園がある。すごくすてきなところ。カフェでご飯食べようかと思ったがデンマーク恒例の凄まじい物価の高さで断念した。日本円に直したら、パスタだけ食うのにも2500円かかる。
ちなみに街にあるセブンイレブンで水買ったら、750mlで430円ぐらいした。消費税25％の国。
で…でも良かった。
ここが今回の旅の一番最初だったので、ここから先どこに目を付けて見て行くかの指針が見えたので。
具体的には、フランス彫刻と、テオドルルソーとかドラクロワとか。ゴッホはアムステルダムで山ほど見れる予定だったので言うに及ばず。なんかフランス彫刻は、なんであの時代にああいうのがいっぱい生まれたのかが逆に不思議。萌え彫刻。帰国してから調べようと思ったが近くにいい資料がなくて8月中旬現在、未遂。

国立新美術館のやつ。行ったんですが
建物はまぁ…うん。いいんじゃないかと。ついでに私の家からのアクセスも非常によいのですごいよいのですが。

でモネ。初めてパリに行ってオルセーで日傘の女シリーズのうちの一枚をバーンと見た時に一発で「も、モネってすごいんだね！」ってなった正直な私ですが、今回新美術館に来てたやつは全然そんな力のない一枚でした。全体の点数はすごかったっすけど。なので今回の展示を見てモネが好きかどうかなんて誰にも言えないと思う。つくづくそう思う。国宝はその国が手放してないからそっちへ見にいかないと。
今回来てた中では1890年前後の海のやつとかがすごく好きでした。びゃーって描いてるのに焦点ぼかして見ると雄大な景色がブワーッとそこにあって、何十分でも見てられる感じ。すごく気持ちがよかったです。
睡蓮とかもさ…多分一番すごいやつ、ほら…オランジュリーとかじゃんか。(多分今度行く…かな…分からない)…まあ、はい。で。
でもモネの生涯の作品が全部あるから流れは分かりやすかったです。やっぱすごいおじいちゃんでしたよね。うん。
油の感触はきわめて堅牢な感じでした。ツヤを出したやつもあったけど全体的には半艶ぐらいが多い。筆跡しっかりな感じで。
あーなんかもう断然海のやつが良かったなぁ…。草原とかより海のが好きだった。
んー。霧のとかも。うん。
あー。そんなんでした。

二つ行った。
最初のはブンカムラのモジリアニ。もうちょっとモジリアニの油絵あるかと思ったけど思ってた以上に少なかった…そこまで少ないかーと思うぐらい少なかった。でも密なマチエールがやっぱし好きだ。そんなに分厚く塗ってるわけでもないのに密で、いいなぁと思う。形はそんなでもない。
ゴシップ的な展示だった。あまりにも見る物がないのでいつも読まないプレートまで読んでしまった。有り得ない。

そのあと国立近代美術館でやってる靉光展に行った。チケットになってた絵を見た瞬間に、あぁこの人はてんさいてきな感じの絵描きなんだろうなぁと思ってたんだけど、やっぱり何というか、なんつうんだろう。奇才だよね。生まれ持った焦点力があってさぁ。こういうの見ると、絵が得意で絵描きになる人っているんだなと思う。あくまでもそれは始めるきっかけの話だけど。
もっと早く見に来ればよかったなぁと思った。そいでもっかい見に来たらよかったなと思った。そうはいかないので、一度見終わってからもう一回入り口まで逆戻りして見た。たったの10何年だかの画業人生。どうしてこうも。こうも。晩年というのは、普遍に辿り着くのかな。晩年作品がやっぱ好きだった。色々やってもまた油に戻ったのが好きだった。なんでもない中間色が、強い意志とほうっと抜けた自然を合わせ持って光り輝くのが素晴らしかった。
密なマチエール。古代の色彩と自分独自のモチーフフォルム。意志と自然。このバランス。迷って回って苦しんで努力して惚けてしゃがみ込んで、
立ち上がって、
そんだらちゃんと、無我の我だ。
最初はただの天才で、最後はほんとの画家だった。よかった。
日本にもちゃんとした画家って何人かいたよね。そのうちの一人を見ることが出来て、すごい嬉しかったです。海外にも広まったらいいのになぁ

んで最後に常設展をちょっと見た。明治時代は名作多かったでねえかと思う。江戸も洋画もある時代。画材もきちんとしてた時代。いいのが多い。
明治のとこだけよく見て帰った。
画材、大事だろう。
あぁまた油。やりたい。けど。
なんか、うーん。考え中

一日中見過ぎて足が痛い

エルミタージュ最悪やったわ。番宣も最悪やったけど展示も最悪やったわ。あの狭さときったない蛍光灯照明、何のつもり？小汚い美術館ますます小汚く見せやがって、最悪じゃハゲ。そら関西弁にもなるわ。しかもエセじゃハゲ。
というわけで最悪でした。でもドレとヴラマンクだけは相変わらず最高でした。もう、視界の端に画面がちょっと入っただけですぐ分かってめっちゃテンション上がった(笑)ドレのでかい油絵を見たのは多分初めてですが、もう最高でした。ドレは最高。ド変態。こう、見ながら、「あ、完全に変態やなこの人…」て感じ。最高(笑)勿論超上手いし、素晴らしい表現で。印象派時代にはこういう変態も潜んでいたのでほんとに最高ですよね。とにかくドレは最高。
あとヴラマンク。フォービズム好きかも、って思ったことがあるんですが、多分私、フォービズムが好きなんじゃなくてヴラマンクが好きなんだと思った。うっとりな白とか焦げたような茶色がほんとにきれいで、筆跡が見事で、色みも形の捉え方もすばらしい。最高。好き、とにかく好き。
あたしも頑張らにゃーのぅ。
それにしても、何？都美館。予算なかったの？(笑)頼むよほんと。絵に失礼だわ。

ルーベンスとヴァン・ダイクの絵の前から、動けなかった。
私にはあれは、ただの肖像画でも、ただの宗教画でもなかった。
恐らく最も打ちのめされたのは、その我慢強さ、辛抱強さ、観察と忍耐の凄まじさだ。そして画面の重厚さ、技術の恐ろしい卓越。そしてこれら全てが、近代〜現代と今に近付いてくるに従って絵からどんどん抜け落ちていくのが見えた。あれは何故なのだろう…。まぁ今の自分に至っては最悪の状態なわけだが。
ルーベンスとヴァン・ダイクは、入り口から二つ目の部屋にあって、作品保護のためか照明が他の部屋より暗かった。上のフロアに上がって、近代絵画も素描も全て見たが、一通り見てまた下の部屋に降りた。体力がないままだったので、見るための体力は十分じゃなかったが、それでも数秒見続けていたらすぐ集中力は戻ってきた。それでまた、見てた。
・ペーテル・パウル・ルーベンス　「聖ベネディクトゥスの奇跡」
未完らしい。未完かどうかなんて頭になくて、なんて凄いんだろうと思って見てて、途中で作品解説をちらっと読んでからしばらく、「未完」と目の前の絵が全然結びつかなかった。冷静に考えてみれば、ルーベンスが絵をこの状態で完成とすることは有り得ないだろう、凄まじく徹底的に仕上げる人なんだから、そう言われてみればこれはいわば途中の状態なのだろう、
だけど素晴らしかった、本当に描ける人が描いた絵は途中だろうが完成だろうが、いや途中であるからこそ、どれだけの力を持った人が絵を描いているのかが本当によく分かる、本当に……
隣にドラクロワの模写があったが、ドラクロワはこの模写の出来に満足したんだろうか、それともとりあえず自分がしたいと思った勉強ができてよしとしたのだろうか。あまりにも違って、それは勿論当たり前なのだけど、やっぱりこんなに違うのかと思った。白馬の足の、ざっと描いただけなのに見事な空間と実体を現す描き方も、赤い服の人物の衣服の下の身体とその赤の絶妙な具合も、中央の人物の体の微妙な感情も、何もかも…全てが、ルーベンスのものは生気に溢れていて、確実な力がそうさせているのが分かった。
多分、足りないからこそ求めるのだろう。完全に描き込まれ完成していないからこそ、見ているとどんどん想像したり、その考えの片鱗の生に触れて引き込まれてしまう。いつまででも見てしまう。最初に見た時、この絵には魔力がある、と思った。二度目に戻ってきて見たとき、なんという調和だろう、と思った。不完全なのだ、未完なのだ、だけれど、本当に描ける人が描いた絵は、何もかもが違う。その事実はあまりに重く、大きく、そして、希望の光だ。
・ペーテル・パウル・ルーベンス　「ピーテル・ペキウス」
もしかしたら現地、ベルギーでこの絵を見たら、違うふうに思うかも知れない。あまりにも自然に感じるかも知れない。いや、そんなことはないな…。今までと全然違う目で自分が絵を見ていることに今日気付いた。多分、もしこれからヨーロッパに絵を見に美術館に行けるとしたら、どんなに他に見たい美術館があろうが、入った美術館にそういう絵があったら、私は動こうとしないだろう。油を始めてから、どうもまた、絵の見方が変わったというか……、ぐらりと根幹から揺さぶられて、自分自身の深い場所とより強く結びつくようになった。今まで見てきて、きれいだなぁ、すごいなぁとただ眺めるだけだった油絵が、自分が始めたことによってその凄さが何倍も凄いことにびっくりしているし、それと同時に、自分が近付きたいのはこっちだ、ということに気付いた。確信した。現代美術見て、本当に凄いと思ったこと、一度もない。絵描きだから、私。アーティストじゃないですね。そういうことだと思った。
上野に来たこの絵は、素晴らしく堂々として、そのあまりに見事すぎる技術に、躊躇のない描き込みの差に、黒と白と肌のただそれだけのあまりの美しさに、それはいくら見ても見飽きることはなかった。パリかイタリアかどっちかで見たルーベンスのピエタはリアルすぎて気持ち悪いぐらいの感じでなんとなく変だなーとか思ったんだけど形は好きで、この肖像画は色調も物凄く好きだった。もうこれが肖像画かどうかなんて私にはどうでもいいんだわ。この画面の持つものが、私を支えるものだって。分かるから。隣の二つの肖像画もそれぞれに良かったけれど、ピーテル・ペキウスが一番。とても好きだ。
自分には根気が足りない、と思い知らせてくれた。もう絵に近付く前から「うわーっ」と思った。「うわーっ、私根気ねえー」っていう思い。視界の端に入っただけでそう思った。
・アンソニー・ヴァン・ダイク 「酔ったシレノス」
「うわー、好みー」って譫言は置いといて、色調だけで言えば私はヴァン・ダイクのほうが総合的に言えば好きかも知れないぐらいで、そういえば以前にもそう思った記憶があって、更に言えば絵具で「ヴァン・ダイク・ブラウン」という名前があるぐらい、ヴァン・ダイクの赤褐色は美しいのです。私は赤褐色が大好きですから!!!
隣にあった二枚の肖像画もすごく美しくて、特に神父の肖像画は好かった。とにかくこの、黒と褐色と人間の肌と…　なんていう調和、なんという密度。いじいじ線で描き込んだものとも、勢いで描いたものとも、決して比べられない。
確かな技術と、人間そのものの観察力、完成された美意識…。何だろう。私にはないものばかりで。どうしたらいいんだろう、ってずっと考えてた。
そういうわけで、その二番目の部屋だけに一時間ぐらい居た。体力がないので見る力を溜めるために椅子に座って頭抱えたりしてたのでかなり不審者だったけど。前回印象派展でヴァン・エックに出会った時、カタログケチって買わなかったら結局後で情報の少なさに後悔したので、今回は買って来た。ポストカードだとあまりにも印刷された絵の色調が違って何の意味もないけど、カタログはいちおうがんばって色合わせて印刷してるんで、まぁこれならなんとか使えるか、と。どうせ私には絵以外のものなんて何もないんだから、そこで金けちってもしょうがない。大体日本に来る絵っていうのはその作家の超メジャーな代表作じゃなくてちょっとマイナーなのが多いわけなんで、後で画集とかで見つけようとしても難しい。だったらカタログ確保しといたほうが確実。
こんなに見る価値があるのならもっと行けばよかった。今の私に足りないものがやっと少し絞り込めた、古典だ。特に15〜16、17世紀頃の、重厚できちんとした画面だ。自分がやりたいと思っていることの基礎だ。ここに関する目と技術を鍛え、自分のやろうとしていることとぶつけていく必要があって、それには10年は要するんじゃないかと今思ってる。そこを徹底しない限り。むろんそれだけやるわけじゃないんだが。
私は自由など欲しくない。だけど、自分を支配するものは、自分が決める。私の自由は、ただ今を楽しむとか、交流を楽しむとか、美術業界に存在するとか、そんなことじゃない。私の主を私が決めることだ。そして、それは、
絵画だ。

最初のほうに書いた、ルネサンスと近現代とを分断しているもの、もしくはそれを繋ぐことが出来ている絵描きはいるのかどうかについて、ずっと考えている。私は鴨居玲の原画を見たことがまだ無いのだけど、もしかしたら彼はそうなんじゃないか、それとも違うのかどうかと、今思っている。それを確かめたうえで自分の作っていく道を固めたいと思っている。
絵描きが工房制でなく個人制作になったせいで画面の絶対的な重厚性や的確なデッサン力は薄れていったのだろうか。うーん…。何かが絶対的に失われてしまった印象について、とても気になった。近代の個人作家達は、個人なりには凄いんだけど、何か、まだ工房制だった頃の作家の個人作とは全く違うわけで。技術的なものや、電気がなかったとかそういうことだとか、様々なバックグラウンドがあまりにも違うし、画材は勿論材料から全く違うわけだし。そこは模写で埋めていくことしかできないと誰かが言っていたし、私もそう思う。ルーブル行きてーーーー。

あ、あと最初の部屋の最後のほうにあったブリューゲルの森の絵「アブラハムとイサクのいる森林風景」っていうのがあるんだけど、最初は「別にさー、森の絵だよね」とか思ってたんだけど、近付けば近付くほど吸い込まれてやばかった。しかもなんか画面が微細にキラキラしてるのは、多分顔料を直接油で練って使ってたんじゃないかなぁと思うんだけど、どうなんだろう。普通の油絵具とは違うと思います。あのキラキラは多分、顔料だわ。岩絵具の顔料を油で練ったような使い方をしたのではないかな。自然の風景にふさわしい、本当にきれいな画面だった。凄いなぁ…。凄い、ほんとに。
そんな素晴らしかった展示も、10日で終わりです。あぁ……、もっと早く行っときゃよかったよ……それで何度も通うべきだった。今度から、展示はなるべく早く行って、勉強になるものがあれば何回も行こう。なんかそういうふうにしか、学べないだろうから。ほんとになぁ…。ハズレかなーと思うと数点だけそういうのがあったりするから、事前情報じゃ分かんないんだよねほんと、展示ってさ。行かなきゃ絶対分かんない。

で
出会ってしまった。

今ブンカムラでやってるピカソとモディリアーニの時代とかいうやつに行ったんだけど、まぁほとんど別になんか、まぁ別に、て感じだったんだけど、
Arthur Van Heckeの絵の前に来た途端にその前から離れられなくなり、結局多分20分ぐらい、一枚の絵をずっと見続けていた。全く、一瞬たりとも絵から目を離すことなく、しゃがんだり立ったり、ななめになったりしながら、世間の皆様がそこそこの興味の後さらりと立ち去る中、張り付いていた。
全くよそ見なしにその絵だけ見続けるっていうのは、テレビや映画ですら5秒以上連続して見れない殆ど病気の私にはあり得ないばかりか、興味の無い絵は素通り以外の行動を取らない私が絵を相手に20分っていうのは奇跡レベルでして、だって20分ってことは1分60秒だから60秒が20回で1200秒間見ていたっていうことですよ。1200回見た、と言っても過言ではない、いや1200回見たということです。だって絵って大体5秒ぐらいしか見ないよ。ちょっといいなー、で 15秒。その私の場合、これは数年に一度の一大事であり、よっぽど出会ってしまった場合にしか現れない現象。
わたしが初めてルドンの絵に出会った時に「人間が何かに出会ったときってこうなるんだなーと思って面白かった」とその場に居合わせた林由未が感慨深そうにのちのち語ったほど、ルドンの絵のある部屋にわたしは全身目になったみたく張り付いていたわけですが、多分それと同じ状態にあった、ことは間違いない。あとわたしが同じ絵を見続けられるのは長谷川等伯の松林図屏風を一時間が最高記録。あとはない。今まで二人しかいなかった、絵を見続けられる対象に、栄えある三人目が加わったというわけで、これは、はっきりいって、ものすごい、一大事。
ので、どうやら「あぁ、出会ってしまったのだな、こんなところで…」と思った。
ブンカムラの展示はわたし的にはけっこうハズレも多いので、今回も「まぁ、はずしたかな」と思っていたところ、最後のその直前で、まったく一歩も動けなくなってしまうとは、神様も粋な計らいをしてくださるものです。思えばへんなガラス板のはまってる絵が今回は少なかったなぁ。それはいいことですよね。展示ってやっぱり、行ってみなきゃ分かんないもんだよね。どんな展示でも。こんな、遠く日本でも、突然、出会ってしまうことがある。

というわけでそろそろ本題に。
……といっても言葉にできないから見ていたわけで……無理なんですが……
なんていうか……「何故だ……」「何故だ………分からない……好きだ」とかうんうん言っていました。なんか、どうして自分がこの絵をこんなに好きなのかと思って、見れば見るほどますます好きになるし、結局「この絵、欲しいなぁ…」という結論。美術館で絵見て「この絵、欲しい」と思ったのは初めてです。それこそ。
なんか、自分が好きなものが全部詰まってるような……。間とか、色の流し方とか、青とピンクと白とか、本が白と黄色と緑の上手い具合に混ざったようなのが光沢があったりとか、布できらきら光ってたりとか、赤の微妙な変化が全部わたしの好きな色合いだったりとか、「はっあの赤は反射光か!? そうか!?そうなのだな!?」とかいってへんなアドレナリンが出たりだとか、顔のなんとも言えん紫だったりとか、画面の大きさだとか、プロポーションだとか、特に何の変哲もない箇所の一見無意味そうな壁の色調ですらなんだかものすごく魅力的で……。とにかく、好きなんだなぁ、と思った。
その後、最後の部屋に移動した時に、この人の風景画があったんだけど、これがまた最高で、あぁこれは出会ってしまったんだなぁ、と思った。その間にあった二枚の肖像画も良かったけど、特に良かったのは最初と最後の二枚でした。ロジェ・デュティユールの肖像というやつと、ダンケルクという風景画の二枚。

とりあえずネットで拾えるだけ情報探そうとしたが、まず日本語では全く情報なし。次に作家名で検索をひたすらかけるといくつか出てきたのがフランスの学校だとか。情報はフランス語とドイツ語のページが多かった。とりあえず作家情報も多少拾えたんだけど、ブンカムラの展示ではまだ存命のようだったが(没年が書いてなかったので)、今調べた限りでは没年2003年という記述もあった。詳細は不明。絵は、いくつかは見れたんだけど、ウェブの画像ではそれがどんななのかの体感は難しい…ていうか無理。今フランス行けないし。あああ、謎ー。謎めいてるー。こんなに謎めいたの久しぶりー。。。でもどこにコレクションあるかぐらいの情報は掴めました。ほとんどがフランス、いくつかがドイツみたいです。本は二冊ばかし出てるみたいです。でも、多分、ほぼ絶対、日本じゃ買えない。かも。うおー。
ARTHUR VAN HECKE情報、お待ちしております。何かご存じのかたいらしたら教えて下さい。。



I love Arthur Van Hecke's paintings, but i have few informations about him.
Please let me know if you know where can i see a lot of his works!