Tebineri

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松林図屏風は、今回あれだけの数つどった等伯作品たちを見た中で言うと、最も「美人」だった。見れば見るほど引き込まれ、別れようとすればするほど離れがたくなる。何もないようにすら見えるのに、その全てがほとんど奇跡でしかあり得ない配合をされている。抜けるような白い画肌。尖り強く激しくさえある細部と滑らかで溶け込んでかすみとなる細部。空間に自由に浮かんで泳いでいるようでいて、遠近が科学的に立証されてるようにも見え、しかしそれ故に、更に非現実性の宇宙の中へ見る者を飛び込ませてしまう。
たとえば、雪女とか、雪の女王とか、ああいうものすごい美しいこの世ならぬものに、見入られて取り込まれて、あぁこのまま行けば死ぬんだろうなと思うんだけど、こんだけ美しかったら死んでも別にいいや、というような、とにかくぼぉっと溶けて気持ちよく消えてなくなってしまいそうな、永遠の幽玄の中へ、人間という人間全ての魂をとけ込ませて、あの巨大な一元性のもとへ、私たちを今すぐに還してしまう、そういう絵。

長谷川等伯。私にとって、ただ一人の、世界一の日本画家。後にも先にも、この人一人。後は私には有象無象の者にすぎない。

楓の樹や松の、金箔の花鳥図も、自然がどれだけの力を持って永遠へと引きずり込めるかを、人間や仏も散々描いてきたからこそ見えている、描ける、そういう感じがすごくした。

そして、北陸の魂は見る人の口を黙らせる。
あることないことペラペラ喋ってた人の口を黙らせ、目から幽玄を食い込ませて、やがて連れ去ってしまう。そういう力がある。

没後四百周年企画展示。今まで行った等伯展で一度しか見てない懐かしい絵もたくさんあり、京都で巡った等伯作品の数々とも再会することができ、なんだかなつかしく、また一堂に会すとこんな風に見えるのか、こんな風に響きあうのかと少し不思議だった。彼の作品は一貫して質実剛健ではあるものの、常に空間の魔術師でいたわけではなく、その点だけで言えばおそらく後世の横山大観等の方が長けていたに違いないのだ。しかし、技術や遠近法がどれだけ発達しようとも、等伯のまねごとにすら及ばないただ一つの点がある。
彼の鉄の実直さだ。
柔らかくも、硬くもない。鋭くも、鈍くもない。妥協もしないが、折れなくもない。人生でいろんな時があっただろうが、彼は絵を、自分と全く対等な存在として、例えば…武士にとっての信頼できる刀のような…そんな存在として認めてきたのではないか、と思う。絵を操ったりコントロールしてやろう、という、おじょうずな絵描きによく見られる傲慢さが彼の絵には感じられない。絵のマジックこそが最強だ、という居丈高な驕りが存在しない。何故なら、絵は彼より上でも下でもなかったのだ。過去現在未来存在する全てのエネルギー体が至極当然であるように、絵も至極当然であって、何かの道具たる存在などではなかったのだ。全く自分自身とフラットに対等に、絵を扱ってきたというのは、意外と、珍しいことなのではないか。(そうであってほしいと思ったことは、私は今まで生きて来て一度もないが。)
今までいろんな画家の展示を見たし、すごいと言われる人はいくらでもいるわけだけど、正直、誰も気に入らなかった。すごいと思った日本の絵描きはただ一人、長谷川等伯だけなのだ。私には。そしてその最大の理由は、彼の絵に対するその態度だったと、今回改めて強く感じた。意識と感情とこれらの絵の、不思議で全く対等な距離感は…一体何であろう？
そうでなければ、あの絵たちの前に、人々が口を閉じてじっくりと画面の内部を見つめるような、あんな光景は存在し得るはずがないのだから、それも至極当然のことなのだろう。

この態度はゴッホやルドンと同じである、と松林図屏風を見た数年後に彼らの作品群を見た時、私は分かった。こういう態度で制作を続ける人は、実はあんまりいないのだ。私の今までの経験で、言うと。絵師はたやすく傲慢に絵を扱う。私はそれを、美しくなく、妥当でないと感じる。

長谷川等伯。
私がこの世で、永遠の師と仰ぐ人がいるとすれば、ただこの一人、
400年前に亡くなられた、長谷川等伯ただ一人。

これまで個展を三回やりましたが、大体個展後は著しく体調が落ち、大体２〜３ヶ月はまともに仕事できなくなります。とはいっても、日常生活は普通に送れます。運動や旅行もできます。ただ、個展前までのように毎日の制作はできないのです。今は今のやるべき有用なことがあるし、春夏秋冬の季節と同じものだと理解しているので、今は物語の展開や創作、小さなドローイング等を主にやっていて、そちらはそれほど莫大な爆発力のあるエネルギーがなくとも、少しずつつらつらと紡いでいくことができるので、向いているようです。こういう時期は、自分の土地を耕している期間なので、これはこれで有り難い時期なのだなぁ、と思うんですが、「ところでどこのどんなエネルギー量が落ちてるのだろうか？」と常々不思議に思ってきました。最近なんとなく、それが何なのか解った気がしました。

制作には何か言いしれぬ部分のエネルギーを多大に必要とするのですが、そこが圧倒的に足りない、頭を支えていられない。という感覚があります。それが再び動ける程度に貯まるまで、けっこうかかります。もしかしたら、長い目で見れば半年ぐらいはそうなのかもしれません。(ただ、私は一度十分にエネルギーが貯まると一気に描いてしまうので、実質一年のうち半年不調でも大した問題はないのですが…。)
これまではたいてい個展が一つ終わった時点では次に何をしたいか見えてきていなかったので普通に休んでたんですが、今回は個展の初日にはもう次にどうしていくのかビジョンが見えていたので、個展後も普通に制作するぐらいのつもりでいたのです。しかし、やはり無理でした。一月後半、二月後半はかなり体調が落ち、日常生活上もかなり厳しい状態で、その中でやりたいことの準備をしてきたり、体調がうまく整ったら制作をしたり、と進めてきました。しかし、個展前のように、毎日普通にアトリエに通って制作をする、という具合にはいかないのです。やはり、個展後には一度「お絵描き体力」が落ちるようです。

この「お絵描き力が落ちる」は、一体何を示すのか？と毎回思い、検証してきました。
単に個展前まで集中して疲れてるから、疲れが出るのか？と前回までは思ってたんですが、昨年末の個展の時は、正直いって全く、疲れていなかったんです。集中するのが当たり前になってましたし、日々のメンテナンスもうまくいってました。体調的にも気力的にも、非常にいい状態、いわば「平常の状態」で望みました。個展後も、日常生活には全く支障がなく、かなり普通に過せました。
しかし、次の月、その次の月、と二ヶ月が今経ったわけですが、未だ本調子ではありません。

季節の変わり目にはその季節に蓄積した疲れや毒素が一気に出るそうなので、どーもそれが出てて疲れが来てる。というのが一つ。
あと私が思うには、
『作品自体のエネルギーの流出』によるものではないか、ということです。
これが実はすごく重要だったのではないかと。

私にとって、絵を描くというのは「インプット」作業です。
何故かというと、私の体の中に出すべきものが渦巻いているうちは、まだそれがどんな姿をしているのか、正確には私には見えてません。見えてしまうものは、あくまでも一要素であるという認識で、それ自体が世界を為しているわけではないので。
で、それらが無意識内で再構成され、私の手を通してこの世界に流れ出して形を成したとき、そこには「新しいもの」が生まれています。未知の世界です。自分が今まで知らなかったものを、自分で描くことによって、あたらしく知るわけです。だから「インプット」なのです。
それらの新しい生命体たちは、私の手元にあるうちは、ずっと私の体の中にあります。物理的に存在するエネルギー体として、手元にある、という状態です。意識も体も、それらのエネルギーで占められています。それをあおぎ見ながら更に新しいものを生み出し続けていきます。それが個展までの経過。
そして、それをやっと自分の体の外に押し出すことになるのが、個展です。ここでやっと「アウトプット」となります。やっと、「外に出ました」ということになる。描いている間は、出てない。しかし展示をして、たくさんの人に見てもらうことで、彼らは私だけの生命ではなくなり、外の世界に放たれます。
そうすると、私の体内のエネルギーバランスがいったん崩れます。蓄積して表に出し損ねてたものが一気に外へ流出する。当然、私の体や意識は「エネルギーが減った」と認識します。自分にとっては実際、物理的に減っているのです。
外に出すことは、一気にスッキリし、見てもらえた喜びを感じます。しかし、じゃあ次すぐ、というふうにはいきません。ずっとそれらが体内にある状態でバランスを取っていたわけですから。

これ書いてて思ったんですけど、妊娠と出産に、ちょっとだけ似てますね。実際の妊娠の場合は、人間は体が「一人分」の状態で生きてる時間の方が長いわけですが、制作の場合はエネルギーが溜まっていく時間の方が長いし、それは一生続くけど。
だんだん大きくなるのとか、胎内にある間は一体であり、産んだら別になる、ってあたりなんかはちょっと似てるかな。
あとは生理に似てるな。生理の血液も、自分の血液として換算されて一つの体として活動しているので、生理で一気に出て行くと貧血になる。でも実際は「え？使われなかった養分が外に出たんでしょ？」って、まぁ理論上はそうじゃないですか。でも実際は違うんだよね。自分の血液だと、体は認識していたわけです。まぁ同じ体内にあるんだから当たり前なんだよね。
だから、描いた絵が「体内に在る」ということ、「生み出す」ということは
そういうことだ、ということです。


まぁそんなわけで、まずエネルギーのチャージをせねばいかんし、最近猛烈に旅に出たかったのはどうやらそういうことらしい。ので、とりあえずまた富山に行ってこようと。
んでその前にちょっとしばらく東京であれこれと楽しい作業や行事があるので、それを行ってから速攻行って、一ヶ月ぐらいで帰ってこよっかなーと。
おもいっきりチャージして、思いっきり描くんでないとね、楽しさがね。違う。
そんなつもりでいます。

自分と友達や家族の抱えてる問題ってのは殆ど全てがリンクしてまして
一見違う問題に見えても、結局その人の抱えてる問題がかなり直接自分がなかなか解決できなくて長年苦しんでいる、または苦しんでいた思い込み(信念)についてだったりとかして、
だからちょっと時期がズレるだけなので、自分が解決してた場合は自分がどう思って乗り越えたかお話しできるし、
まだしてない場合は自分もこういうふうに感じてるんだって話して分かち合えるし、
友達が直面したケースを客観的に聴かせてもらうことで自分が抱えてたものが何であったかが逆に分かりやすくなったりして
なんかホントに勉強になるというか、救われます。
救われない感情なんてないんです。救われないと思って助けを拒んでるのは、自意識だけだからです。
バガボンドでいえば「我執」、スピリチュアル的には「ロウワーセルフ(低次元の自己)」ですね。同じですね。エゴっていう呼び名はあまり好きじゃないんですよね。わりとこう、なんでも思い込みだと思いがちになって本当の高次元からのアドバイスまで無駄にしちゃうことが多い気がするので。カタカナの弊害。敵ははっきりさせましょう。敵は、「現在の自分」を守ること＝現状維持がベストだと思い込ませようとする、明らかに長い目で見てそんなわけがない事実を錯覚させる「低次元の自己」、ロウワーセルフ、我執です。あなたをあなたの本当の望みから遠ざけるだけ遠ざけさせる、低次元の自己の企みです。

去年一年間、以下のように考えて、一日一枚小さな壁をこつこつ破ってきました。今後も継続です。

何かをしようとすると、「そんなことムリだよ」とか「出来るわけない」と言う人がいます。
できないよ、という人。できないのは、あなたであって、私ではないのですよ。
あなたには出来ないのでしょうね。だけど私にはできる。できないことはまず、思い浮かぶことすらないですから。でもあなたはできないとおもうのでしょう、じゃあ出来ないでしょうね。あなたは。でも、私の中にはできないという概念が浮かんだことはないのです。だから、やるのです。やるからには、やったものは「できたもの」ですよね。だから、私にはできる。しかし、あなたは「できない」と言い、何もしない。だから「できない」のです。

他人のやろうとすることに対する「できるはずない」は、やっかみにしか聞こえません。自分の小さいアタマを上回るパワーをそなえた人間を怖れているのです。私には、そんな人間、視界にも入りません。

しかしその「できるはずないと言う他人」は、自分の中にもいるのです。
やろうとするそれが大きいプロジェクトの場合、人は少し尻込みします。本当にできるのかしら？リスクが大きくないかしら？周りに迷惑かけて、そしられないかしら？そこにつけ込むんです。自信のないその心が。うようよと。日夜、忍び寄り、つけ込んできます。

跳ね返して下さい。私に出来ないことはあなたには出来るかもしれない、だけど私に出来ることは多分あなたは出来ない。そのぐらいに考えて下さい。好きなようにやりなさい。他人は所詮他人です。自分と違う課題を設定して産まれて来た人間です。人それぞれ違うのです。同じ課題で解釈しようとすることの方が無理なのです。その違いも分からずに自分の出来ないことを他人にまで言うようなエネルギーの低い人間は、どうせ自分の前からいずれ脱落し消えていきます。所詮、問題ではないのです。
問題を問題と感じる自分自身を跳ね返しなさい。自分の本当に望むことを、ただ先送り先延ばしにして我執の時間稼ぎ工作に乗らないで下さい。心は安堵するでしょうが、魂に老廃物が凄まじい勢いで溜まっていきます。それを吐き出す時、ものすごいストレスを感じるでしょう。それもまた、ムダではないでしょうが、そんな苦しみは感じなくていいのです。
ただ、たった今、ほんの少しだけでいいから、我執に勝ち、今すぐ一歩だけ夢に踏み出して下さい。そして明日も、一歩だけ踏み出して下さい。一年間続けたら、365歩進めるのです。これを明日に先延ばしにしてごらんなさい。それは延々と続くでしょう。そしてあなたが得られたはずの365歩は消え、虚しさが心のどこまでをも支配するでしょう。

輝きなさい！

今日、初めて、先日描いたキャンバスをピンで壁に張った。こうやって展示するつもりだからというのもあって。

やってみたら、すごく、
すごくすがすがしくなった。
すばらしい生命力に満ちて無邪気な、自分自身の世界の姿をかいま見た。
そして初めて私は、自分のしてる仕事を、誇らしいと思った。
みんなに見てほしいって思った。
自分の部屋の壁だけど、まだ誰にも見せてないけど、
私は初めて今この瞬間、
自分の夢を実現した。
小さな小さな第一歩は、願ったら簡単に訪れた。
願ったものが、
自分自身だったからに他ならない。


ここ一年ぐらいから最近にかけて、特に最近は、人に対して自然体で、自分自身のままで接することができるようになった。
以前までは、自分自身でいることが怖かった。だから、なんとなくだけど、いつも他の誰かを念頭に置いてて、誰かの仕草のマネをしてた気がする。誰かのマネだから、自分じゃないから大丈夫ってガードしてた気がする。こんなこと言ったらみんな笑うと思うけど、本気で私はそうしてた。私が私自身だけで外にいたことは、多分ほとんどなかったと思う。いつも他の誰かを、いいなと思う人を、20％ぐらい混ぜてた。そうしないと怖かったから。

もうでも、自分は死ぬまで自分だし、自分が死ぬまで何してるかってどうせ絵描くことしか考えないのも分かってきたし、自分は自分でしかないから、自分でしかいられなくなった。だから何もかんがえずありのままでいるようになった。うまくなれない時も、ガードしようとするとすごく違和感を覚えるので、結局一日や二日でガードを取り去ってしまって、やっぱり自分を出してよかったんだなぁという結果になることが分かってきた。まぁ取り去ってしまえば、そのガードの心のはたらきすらも、自分自身でしかないことも分かってきた。
そしたら、自分のままでいるって、こんなに心地がいいんだなって。今まで何してたんだろ。なんかもったいなかったよね。すがすがしくて、さっぱり全部をあきらめたような気持ちって、こんなにいいものなのか、って。


自分が本当にこうしたいと思ったものを初めて実現した小さな今日。
やっぱり、自分でいさえすればいいんだと
小さな六畳の部屋の壁の片面2/3をいとも簡単に占拠してしまった、大きなキャンバスを眺めながら
これをやろう、とビジョンが見えていた前回の個展が終わってからきっちり二ヶ月経った今日、一つステップが見えたことについて
案外、早いものなんだな。なんて
まぶしいな、なんて思っていた。

ほんとのビジョンまでにはまだまだこれからなんだけど。
その全体像にどうしたら近付けるのか、日々アンテナ張って生きつつ
何よりも一つずつの自分自身を本当に楽しんで、たいせつに
生きていきます。

自分で言うのも何なんだけど
すごいいいんですよ………。
全体は展示まで秘密ですがに。

ふっふー。
今日から、キャンバスのロールの上に寝転がって
オイルバーで描き始めました。
画像はその一部分です。
描きたい放題やりたい放題です。どうもこんにちわ。
いやー。楽。
あとは「泳がして描く」のにもっちょい慣れることかな。
回転させたら「おっこっこれだ」ってなったり
まだスキマ埋めようとしちゃってたり(これはブランクあったせいか)
ナナメに描き始めて結局125°回転させたらちょうどよかったりするみたいなので
そこらへんを柔軟に。
まぁ、柔軟以外なにも目指してない描き方なのですが…いつもどおりですいません
さっきテレビの「脳力テスト」してたら
直感力と発想力が瞬殺で解答できました。
計算は、二桁になった瞬間に放棄してることが判明。
さすがですね。芸術に必要なものはバツグンに冴えていますね。
あとはそれを
制作に注ぐだけですねヽ(´ー｀)ノ。

というわけで楽しいですすすすす。

現在個展開始から約二ヶ月経ちましたが、個展直後から考えていた制作のためのロールキャンバスが一昨日到着したので、アトリエの状態を整え、オイルバーでもアキーラでも何でも描ける環境が整いまして、また制作を始めました。
今年は、もしくは今年からはどのようにするか、は徐々に態勢が整ってきたのですが、要は「描きたいときに、描きたいものを、描きたいだけ描いていく」ということです。
それにプラス「書きたいだけ書」いたりもします。
で、何をどのように描いたとしても後で繋がる自信がつきました。自分が何をどのようにしたいのか分かったので、制約をつける必要がなくなったのです。
もう何の遠慮もいりません。後先など何も考えなくて大丈夫。私の全ては必然的に、後で一本に繋がるのです。そういうことが、分かったので、そのようにできるようにしました。

ここでいきなり個展まとめに入るのですが、
今回の個展を通して分かったことがいくつかあります
まず「自分(達)がこれから作ろうとしているものは、既存していない」
それから「色の解放がとりあえずまず大正解」
あと「制限はない」。です。
今年度からの制作人生にとても大きな影響を与えられました。
一番嬉しかったのは、「分かってくれた」人が格段に増えたことです。それはおそらく、自分が自分を受け入れたからこそなのです。全部出てこい！何でも自由に描け！受け止めてやる！と決めて作り始めたら、ここまで自分がどういうものなのかが伝わるとは、正直全然期待してませんでした。ということは、全部出し切ればちゃんと伝わるんだろう、と。自分が思ってた以上に、見る人は私がどういうつもりで作っているかを吸い込んでいる、と思いました。当たり前なのかもしれないけど、当たり前じゃない。。大きな希望を与えられたし、すごく自信がつきました。自分に与えられたもの(描けるもの、感じるもの、こうしたいと願うこと全て)を全面的に信頼してもいいんだって、初めて本当にそう思えたのです。
今までと何か態度が変わるわけでもないですが、
もっともっと心を開いて、アタマも開いて、
手を通して喋っていきます。
私のことは、私のアタマには分かりませんが、後から分かるとちょっとびっくりしたりもします。
そういう意味で、楽しくやったものを見る人たちと楽しくシェアしていきたいなぁ、と思ってます。
自由に気楽に。思うがままに。制限をつけずにやってみたら、
きっと、ええもんが出るんでしょう。
結果オーライでいいのだ、というのも大きかったです。今まではとてもそうとは言えない状態でした。

突然ですが、今回の個展で「デュアルの視点を持っている人」と「そうでない人」の違いが浮き彫りになりました。
私が描くものには大きく分けて二種類のものが混在している、と考える人は昔からすごく多いのですが、その一方で、一部のお客さんや、私と同じように現在ものを作っている人たち(特に、自分の近しい人)は圧倒的に「デュアルの脳みそ」を持っているので、その境界線を全く感じることはなく、伝えたい内容のみを一直線に受信して楽しんでいます。デュアルではない人は、いわばモノクロの受信装置を持っているため、「どちらかが嘘でどちらかが本当」といった見方をします。昔からずいぶんと嘘つき呼ばわりされましたが、やっと理由が分かったという感じです。そして自分と同世代のもの作りたちにデュアルが多いことも分かりました。アートの感性と、デザインの伝達意欲を持って、両方の領域をまたいだ作品を創るため、今までの価値観では理解しづらいのです。
ですが、これは仕方のないことだというのも分かっています。デュアルの人にいくら説明しても、自分達がデュアルだとは思っていませんし、シングルの人にいくらあなたはシングルだと言っても、そんなデュアル人間なんているわけがないだろう！で終了です。すごい溝があります。(笑)それを今回改めてはっきりと発見してしまいました。私はといえば、感性や感覚、生まれ持った力はデュアルなのですが、脳みそはモノクロームの古ぼけた回路ですので、どちらの言ってることも分かる、という状態のようです。なるほど、と。
かといって、私のデュアルは、私の魂を体現した真実であり、どちらかを削ったりどちらかをサブ扱いすることなど到底できません。それは不自然だからです。それをしたら、私ではないからなのです。
これから、私も、私と同世代の人たちも、そういう世界に入っていくのだと確信しています。私たちが、今から、より豊かなものを、非常に穏やかに、しかし非常に強いものを持って、創り出していくのです。

そういうわけで、全部同時にやることに決めました。
境目などいらないのです。
私は一つだからです。
モノクロの人の言うように分かれてたことなど、最初からなかったのです。
私はただ、自分のしたいことをします。
全部。全て。同時に。自由に。魂に従って、全てを行います。
そしてそれを、ネックレスを作る時のように、糸に通して繋いでいきます。
皆さんには、その首飾りもお見せしますし、やりたいことをやった証しもそのままお見せします。これまた同時に、お見せできたらと思っています。それが私だからです。全て、私の生理に基づいたものとなります。

そんなこんなで
またやりますんで、興味あったらご覧下さい。
ご覧くださった皆様、遠くから応援してくださった皆様、当日お手伝いをしてくださった皆様、陰で支えてくださった皆々様に。
本当にありがとうございました。

當麻。

Magician's Garden
white watson, aqyla, pastel pencils






Lady Atico
white watson, aqyla, pastel pencils


今日描いててなんかやっと分かったというか、意識上に昇ってきたんだけど、
私は「あーこの色の混ざり具合キレイだな…」とか
「あーこことここのぶつかった感じがすごくキレイ…」とか
色がすごいキレイ…と見とれてるうちに描き終わってる、みたいな描き方をしてるみたい。
逆にそれ以外のことが頭に浮かんで来るような時って全然ダメな気がする。黒描いてる時ですら「あぁこのボケた感じがたまらん…」とか思いながらだし。色ならなおさら、コレとコレのやつがきれいだったから、なんか次はここにこれだな、あぁこれもいいな…ここにこれぶっ込んだらどうなるんだろ、あぁイイね…とか自分の中でバランスを取りながら、とにかく、キレイだな…とぼーっとしてる間に、いつのまにか終着点が来て、終わってる。キレイだなが持続しない時は全然ダメ。すぐアウト。やったことある組み合わせもすぐ飽きちゃうから、大体毎回違うことをする。同じ組み合わせでも、使い方が全然違ったりとか。同じのやると、自分ですぐ分かんだよね。こないだやったじゃんて。そうするともう気が乗らない。飽きてるから。
前に音楽を作っている人と話をしたことがあって、彼は「ピアノでじゃーんて和音押さえてみて、あぁこれキレイだなぁ…とか思ったとこからなんとなく作り始めて、曲が出来る」と話してくれたんですが、あぁそれが私にとっては色の和音なのだな、とふと思った。
色の響きあう、混ざり合う、響いた感触がざらっと手の先から伝わってきて、あぁ、すごいなぁ…って、ただ、見蕩れてる。見蕩れてるだけで、絵が出来上がってる。
そんなもんなんです。面白くないことしたくないんで。へへ…。ふ。

不透明＆透明水彩。木炭鉛筆。画用紙。ユニコーンたちの王様。

いちおうラストです。



最後はこの壁ですが、物語に使う絵でもあるので、単体の作品として出したとは言えないのです。展示でも非売品でした。なので、個別の画像は今は載せません。
きっとまた会えるでしょう。
とかいって、気まぐれに急に載せたりするかも知れませんしね。

てなわけで一枚だけ。


静寂(しじま)
59.4×42
BFKリーブ、ジェッソ、アキーラ
2009.08

自分が出そうと思ってるもの全体の、バックグラウンドとなる静寂の絵。
色の組み合わせとか案外簡単だったんですが、こんな簡単に自分のビジョンって出るのか、と。
青い夜の色って、心の中だけのもんかな、出せるはずなんだけどな、と思ってたけど、こんな簡単なの？って。何でしょう、この感覚…。
とにかく、これが常に全ての人物、お話たちの背後にあります。夜の森。月と星。冷たい温度、温かい質感。
全部を貫く感覚の指標です。



会場写真のおまけ。


今回はキャプションを、こんなんして紫と緑のカラーマスキングを重ね貼りして、白ペンでタイトル(名前だな)だけ書いてました。
何でもかんでもプリンターってもういい加減やめたいなと思ってたので、なんとかして自分の感性や感覚に近いアナログなもので、気持ち良くやれないだろうか？と考えて思いついて。
自分が気持ちよくやれることを考えたら、絵も気持ちよいかなって。ついでに見る人も。(ついで？)
今後はとにかくそうやって、楽しく気楽にやりたいのです。だって感性を生かさないんだったら、何のために表現なんてやってんだろ？と。どうせ私の絵なんて、カッチリクッキリとかじゃなくて、ぐんぐんのびのびやってんだから、ことばだってびのびと示せ！と思ったんです。
自分的には、それでいいんだよ、と思いました。



これが噂の(?)お手製の額装。
額自体は有り難いことに譲り受けたものばかりでして、しかしマットは絵に合わせないといかんのですが、どうもあの「窓抜きマット」てやつが好きになれないのと、予算がないのとで、自分が好きな質感、絵に合うと思う質感の紙のストックが自宅に沢山あったので、絵ごとに、額はどれが似合うかな？紙がどれがいい？って見ながら決めていって、裏で止めて、額の仕上げを自分でしてました。ガラスをきれいに拭くだけでもすんごい大変で…どうやったら全く跡がつかない拭き方できるんだろ？と試行錯誤。。なんとかやりましたが…。
あとになって、なんか額装しててもガラスに指紋ベタベタついたまま全然気にしないで展示してる人って相当多いらしくて、あれ何なのかしら？って話をよく聞きました。いや、何でだろ…？私なら気持ち悪くて出来ない…。しかもそれを売るとか絶対出来ない…。なので一生懸命拭いてました。なにげに、拭くのが一番大変だったかな。(笑)額選びと下地決めは楽しかったですよ。
この絵は、濃いブルーのトレンシングペーパーをダンボールの上にぴちっと敷いて、その上に絵を乗せました。金と青ってきれいで好き。



友達や知り合いが来ると、こっそり隠し撮りしてました。(一週間分なのでもっと沢山ある…)
みんな、ありがとう。ほんと、居てくれただけで癒された。
ほんとに、ここでお会いできた全ての方に感謝です。